МУКАЧЕВСКИЙ МОЛОДЁЖНЫЙ ФЕСТИВАЛЬ:
РАДОСТИ И СОМНЕНИЯ НА ДОРОГЕ К ТРОНУ

В последнюю неделю октября в Мукачевском драмтеатре во второй раз прошел фестиваль-лаборатория молодежных театров Украины «Мукачевский ТеаТрон». Его программу составили семь спектаклей столичных театров,. Самая долгая биография – почти сорок лет – у театра «Золотые ворота», самый молодой коллектив – творческое объединение «PlanSHET», созданное совсем недавно, как, впрочем, и театр-студия имени Антонио Гауди.

«На грани» Л.Ра
Киевский театр-студия им. Антонио Гауди

Имя знаменитого испанского архитектора рубежа ХІХ-ХХ веков в названии театра заинтриговало: Гауди не был связан с театральным искусством. Это имя перешло в название коллектива из пьесы «На грани», написанной Ланой Ра специально для первой постановки этого театра, которую мы и увидели на мукачевском фестивале. Герой пьесы, архитектор-неудачник с говорящей фамилией Бордюрный, собирается свести счеты с жизнью. Он уже влез на табурет, накинул веревку на шею, но в последний момент появляется неизвестно откуда взявшийся юноша и заводит с ним странные разговоры. Впрочем, приход незваного гостя вряд ли помешал бы герою совершить задуманное: архитектор-то он талантливый, а как человек – тряпка, не способен к действию. И вот ангел-хранитель, а именно им оказался визитер, всевозможными уловками – уговорами, провокациями, издёвками – пытается подтолкнуть героя на поступок, пробудить в нём жизненную силу. Удаётся это ему, когда герой узнаёт, что он не просто талантливый архитектор, он – реинкарнация гениального Антонио Гауди.

Спектакль поставлен без особых постановочных затей, кроме одной: режиссер Петр Армяновский вручил Ангелу смартфон, которым тот в ходе нескончаемых разговоров периодически снимает героя на видео, и картинка тут же транслируется на задник: герой видит себя со стороны. Хороший ход и по смыслу, и по форме: он разнообразит действие ритмически и добавляет ему зрелищности. Игра Андрея Лагоды (Николай Бордюрный) и Евгения Конощука (Ангел) временами прямолинейна, скорее всего, от недостатка сценического опыта, но подкупает их явная увлечённость театром. Это притягивает зрительское внимание к актёрам и добавляет позитивных впечатлений от спектакля. Но всё же актёрских и режиссерских усилий, на мой взгляд, оказалось недостаточно, чтобы уравновесить разговорность пьесы. Ну и, конечно, исключительность события, перевернувшего жизнь героя, упрощает задачу драматурга (которому не нужно искать других психологических обоснований резкой перемены, происшедшей с героем: узнать, что ты – реинкарнация гения, хоть кого встряхнёт до основанья), но одновременно делает материал менее интересным для зрителя: исключительный случай и есть исключительный, его к себе не примеришь, а отчаяние знакомо каждому…

«Наташина мечта» Я. Пулинович
Киевский театр «Золотые ворота»

Тут само собой возникает сравнение с другой фестивальной постановкой – «Наташина мечта», которую показал театр «Золотые ворота». Разговорность присутствует в обоих пьесах, но есть принципиальное отличие: в «На грани» (по крайней мере, так, как она представлена в спектакле) практически нет событийного ряда, а в «Наташиной мечте» – есть, и весьма насыщенный, не напрямую в сценическом действии, но в рассказах персонажей. А событийный ряд – другим словом, ряд перемен – обладает огромным запасом энергии и помогает театру завоевать и удерживать внимание зрителя. Опытный постановщик, Стас Жирков сполна пользуется этим ресурсом: выстраивая партитуру ролей обеих героинь, именно на сюжетной канве делает акцент, чем в значительной мере уравновешивает отсутствие непосредственного действия. Обе роли хорошо выстроены и сыграны, актрисы Ирина Ткаченко (Наташа из детдома) и Лилия Цвеликова (Наташа из благополучной семьи) производят впечатление стабильных, надёжных исполнительниц с хорошей, крепкой школой, что нечасто нынче встречается у молодых актёров. Мне, правда, не хватило в их игре ощущения спонтанности, весьма желательного в исповедальном материале. Но возможно, это особенности не их исполнительского почерка, а конкретного показа.

Есть и другие не совсем позитивные впечатления от спектакля. Они связаны с пьесой и постановочным решением, особенно – финала. Впрочем, то, что написала Ярослава Пулинович, как только не именуют: и двумя отдельными пьесами-монологами, и одной пьесой, и не пьесой вообще, а просто текстом или текстами. И названия у неё встречаются разные: то «Наташина мечта», то «Наташины мечты», то названия разделяют, озаглавливая вторую часть «Победила я» (по-видимому, десять лет назад на свет появился только монолог Наташи из детдома, его и ставили отдельно, а когда был опубликован второй, их и начали ставить как единый спектакль). В разных постановках то две исполнительницы, то одна актриса играет обе роли, а иногда и персонажей – до двадцати, и актёров с десяток. Всё это стоило бы обсудить, например, при сравнении разных постановок, но у нас речь об одной. Поэтому для простоты изложения согласимся, например, с Павлом Рудневым (http://www.topos.ru/article/6707) и назовём этот материал пьесой, состоящей из двух монологов. У автора они идут один за другим: монолог Наташи из детского дома – первое действие, монолог Наташи из благополучной семьи – второе. В версии «Золотых ворот» режиссёр чередует фрагменты из того и другого, явно стремясь придать действию больше динамики. Совершенно верное решение, ибо в обоих монологах весьма ощутима монотонность, которую создают множество необязательных подробностей (зрителю не нужно так много деталей, чтобы понять происходящее). В своем оригинальном виде эти монологи хороши для чтения, но не для сцены.  В сценической версии «Золотых ворот» многословие пьесы, увы, заметно. Возможно, длинноты скрасили бы бОльшая насыщенность зрительного ряда постановочными приёмами (один нетривиальный и выразительный ход – отсутствующих на сцене героев любовных переживаний девушек символизируют пары мужской обуви – положения не спасает) или более эмоциональная игра актрис (холодок внутренней отстранённости чувствовался у обеих). Но из увиденного на фестивале показалось, что наилучшим решением всё же было бы изначально сократить текст, можно даже наполовину. Такое вот ощущение.

Я неслучайно упомянула исходную форму текстов Я.Пулинович: два отдельных монолога. Боюсь, зритель, их не читавший, в финале спектакля ничего не понял. У драматурга в конце обеих историй происходят одинаковые события: избиение счастливой соперницы, причём совершенно очевидно, что участницы обоих инцидентов – не одни и те же люди. Например, у парней, в которых влюблены девушки, разные имена, разные профессии, мать «неблагополучной» Наташи умерла и та живет в детдоме, а «благополучную» избивает соседка-наркоманка, которую мать выгоняет из дому… Все эти и другие детали многократно повторяются в монологах героинь и остаются в памяти. А в финале спектакля всё выглядело так, будто «неблагополучная» Наташа избила «благополучную» из ревности. Смысл такого «объединительного» финала можно понять по-разному, например, как намёк на то, что истории, рассказанные театром, увы, не исключение, а грустная повседневность. Но при любом прочтении объединительный ход превращает персонажей из фигур реальных в символические, знаковые. В спектакле я этой трансформации не увидела, и осталось непонятным, как совместить такой финал со всем, что было до него.

«Бог резни» Я.Реза
Киевский Новый драматический театр на Печерске

Чисто молодежную постановку привез в Мукачево другой столичный коллектив: Новый драматический театр на Печерске показал спектакль «Бог резни» по одноименной пьесе Ясмины Реза. Играет квартет молодых актеров Ольга Ларина (Вероника), Денис Мартынов (Михаил), Юлия Першута (Анна) и Артур Зайцев (Андрей). Ларина и Мартынов – режиссеры постановки. Сюжет пьесы прост: один мальчишка напал на другого, выбил ему пару зубов, что и стало поводом к визиту его родителей к родителям пострадавшего. Сперва вся четвёрка старается держаться в рамках приличий, но у каждого есть свой шкаф со скелетами, которые и вываливаются один за другим пред очи зрителя. Там и до потасовки доходит, и до пьянки… А пока происходил весь этот родительский балаган, мальчишки помирились и идут в кино, о чём и сообщают по телефону родителям. Судя по переводу на русский, у пьесы другой финал, этот, видимо, сочинён постановщиками. Он проще, но выглядит и более ёмким, и более уместным: философская подоплека реплик по поводу обретшего свободу хомяка выглядит неуместной в качестве финала такого сюжета и сильно отдает фальшью.

Пьеса «Бог резни» принесла своему автору несколько престижных премий, что, если судить по переводу, мне показалось не совсем заслуженным. Она действительно сделана вполне добротно: и характеры выписаны, и диалоги крепко сбиты, и сюжет не погрязает в бездумном комиковании, – разворачивая перед публикой череду комических ситуаций, он по пути задевает и серьёзные темы, от фальшивой толерантности до махинаций в фармацевтической промышленности, не говоря уже о проблемах воспитания детей и семейных отношений. Всё это – в хорошей пропорции, но – статично и, честно говоря, во многом механистично, надуманно. По-видимому, это почувствовали молодые постановщики и решили оживить действие, удачно введя в сюжет музыкальные номера. Им достало чувства меры не растягивать вставные эпизоды, как это обычно бывает в подобных случаях, так что темп и ритм спектакля не пострадали, а сценическому образу постановки прибавилось красок. Более опытные актеры, наверное, разыграли бы свои партии эффектнее, но и четверо молодых исполнителей на протяжении спектакля сумели не раз порадовать зрителя. Например, эффектными в фестивальном показе были эпизоды, когда адвокат Андрей (Артур Зайцев) вдруг выключался из общей беседы, отвечая на телефонные звонки, и его реплики накладывались на живой разговор остальных собеседников, вызывая комический эффект.

«Методы воспитания маленьких засранцев» М.Смилянец
Киевский Новый украинский театр

Новый украинский театр представил мукачевскому зрителю спектакль «Методы воспитания маленьких засранцев». Трое братьев возвращаются в отчий дом, чтобы продать его после смерти отца. Разные характеры, разные судьбы, и такое ощущение, что они и не родные вовсе. Говорят вроде об одном и том же, но каждый о своём, и не слышат друг друга, как будто не было у них общего детства, общего дома. Но постепенно в воспоминаниях проступает позабытое общее, семейное, домашнее. А ещё появляется ровесница-соседка, которая, как и братья, переехала в город. Потом оказывается, что она была любовницей их отца, а теперь, не зная, что он умер, привезла их крошку-сына ему на воспитание, чтобы поехать за границу на заработки. Сюжет пьесы молодого драматурга Марины Смилянец эта любовная тема, конечно, разнообразит, придавая ему остроты и позволяя завершить историю хеппи-эндом. Но две сюжетные линии соединены довольно механически, им тесно в одном сюжете. Отчасти поэтому характеры персонажей в спектакле мне показались недостаточно выразительными. В большей степени это относится к Егору Снигирю (Тарас, старший брат), Владиславу Сведенюку (Антон, средний брат) и Юлианне Евстафиевой (Анюта): бОльшую часть фестивального показа они выглядели скованными. Так же как и Даниил Кино (Роман, младший брат), который, однако, быстро избавился от начальной скованноссти, в итоге образ его героя получился живым и весьма привлекательным. А настоящим украшением спектакля стал пес Кубик в исполнении Виталия Кино, создателя и руководителя коллектива. Именно он поддерживал биение жизни в этом сюжете, всегда тактично, с точным ощущение меры смешного и трогательного.

«Привидения» Г.Ибсена
Киевский Независимый проект «Театральная биржа»
Фото — Анна Метанчук

Ещё одним примером сплава опыта и молодости стал спектакль постоянного участника мукачевских фестивалей – Независимого театрального проекта «Театральная биржа». Создатель и руководитель проекта Лев Сомов поставил для своих молодых коллег спектакль «Привидения» по одноименной драме Генрика Ибсена, материалу очень сложному и для опытных актёров, не говоря уже о молодых. Когда в сюжете много разговоров да ещё и на темы морали, спектакль рискует наскучить зрителю морализаторством. Ибсеновская постановка «Театральной биржи» избежала этой ловушки драматургического материала, в ней нет крена в разговорность. Для Сомова явно важны не только сюжет, характеры и взаимоотношения героев ибсеновской пьесы, но и атмосфера дома, где разыгрывается драма. Атмосфера эта пыльная и изысканная, – вот такое странное ощущение. Серовато-оливковый колорит, почти полумрак, и в нём, действительно, словно привидения, движутся-живут персонажи со странными лицами – то ли грим, то ли маска. То ли человек, а то ли призрак…

Умение поддерживать атмосферу и естественно существовать в ней – одно из самых положительных впечатлений от этого показа. Другое отрадное ощущение – стильности постановки. Позитивное впечатление оставил бы и актёрский ансамбль, но, к сожалению, Регина Виктории Сирак, особенно вначале, казалось, попала в спектакль из другого сюжета и даже из другого времени – нынешнего. У Ибсена очень важны перемены, происходящие во внутреннем мире героев, и та истинная суть людей и их поступков, которая так же постепенно раскрывается в сюжете. Показать вот эту постепенность, цепь изменений как процесс, было, пожалуй, самым сложным для молодых артистов. На фестивальном показе в меньшей степени это удалось Роману Харандюку (пастор Мандерс) и Богдану Ермоленко (Энгстран), в образах их героев перемены происходили как бы скачкообразно – от состояния к состоянию. В большей мере процесс перемен удалось воплотить Дарье Нечитайло (фру Алвинг) и Андрею Сторожику (Освальд Алвинг), герой которого был особенно выразителен, в не последней степени благодаря внутренней и внешней пластичности актёра.

«Light souls»
Киевский Quartet DEKRU

Среди театральных коллективов, с которыми я познакомилась на втором «Мукачевском ТеаТроне», был и Квартет DEKRU. Он стал для меня настоящим открытием, а его спектакль «Light Souls» – самым ярким событием фестивальной программы. Драматический спектакль описать трудно, а пластический – невозможно. Художественный руководитель и постановщик программ квартета Любовь Черепахина создала ряд пластических миниатюр, внятных по смыслу, ярких по форме, и, что особенно важно в театре пластики, – с точным ощущением времени. Инна Турик, Евгений Нечипорук, Боган Сварнык и Никита Черепахин – блестящие профессионалы, они работают в спектакле точно и вдохновенно. Слово «работают» может показаться неуместным в описании процесса творчества, а «Light Souls», безусловно, творчество высокой пробы. Но именно таковы мои ощущения от того, что делали на сцене эти молодые ребята: высокоточная работа и при том – свободное дыхание творчества. И ещё один сплав того, что часто считают несовместимым, показал этот замечательный коллектив. DEKRU постоянно гастролирует за рубежом, и, естественно, продюсеры ориентируют своих подопечных на то, что будет иметь успех у публики. Таков и спектакль, который мы видели в Мукачево. Он стал ещё одним подтверждением того, что коммерция не есть препятствие творчеству и не оставляет на нём отпечатка, если творец этого не допускает.

«Pin UP SHOW»
Киевское творческое объединение «PlanSHET»

У Квартета DEKRU есть и своя школа. ученицы которой Виктория Бедная, Людмила Криворучко, Дарья Любченко, Евгения Подлипенко и Анна Шпаченко стали участницами нового коллектива «PlanSHET», который показал на мукачевском фестивале эксцентричное «Pin UP SHOW» (режиссёр Никита Черепахин). Девушки талантливы и азартны, им вполне удалась пластическая часть спектакля, а вот мимикой они пока ещё владеют не очень уверенно, отчего эту часть партитуры постановки выполняют не всегда четко (в пластическом спектакле, для которого очень важна картинка, это доволоно заметно).

Как и полагается молодёжному фестивалю-лаборатории, «Мукачевский ТеаТрон» и на этот раз стал для одних его участников первой ступенькой в восхождении по лестнице мастерства, а замечательный мукачевский зритель оказался одним из первых ценителей их таланта. Другие молодые коллективы уже уверенно движутся по этому пути, а некоторые из них, кстати, приезжают в Мукачево не впервые, имеют здесь своих преданных поклонников, которые всегда рады встрече со своими любимцами. Фестиваль подарил многим зрителям и гостям радость театральных открытий. Ну и как всегда бывает в Мукачево, организаторы фестиваля, ведомые директором – художественным руководителем Мукачевского драмтеатра Юрием Глебой, окружили участников вниманием, заботой и создали на фестивале прекрасную доброжелательную атмосферу.