В фестивальной программе сошлись два спектакля по пьесам одного драматурга, «Той, що відчиняє двері» и «Коли повертається дощ» Н.Нежданой. Когда я сказала, что «Двері» – пьеса разговорная, драматург не согласилась, возразив, что она насыщена действием. Но имелось в виду физическое действие, перемена событий. «Двери» бедны физическим действием, а «Дощ» им, наоборот, насыщен. Что в первой пьесе? Морг, появляется санитарка. Потом — девушка, которую привезли как труп, а она оказалась живой. Еще женщины вдруг обнаруживают, что замкнуты все двери в помещении, где они находятся. Еще — несколько телефонных звонков от неизвестных. И в конце, обнаружив двери открытыми, женщины расходятся в разные стороны. Всё. Остальное — разговоры. Вот я и назвала пьесу разговорной. Это не хорошо и не плохо, это особенность материала. Во второй пьесе даже и мест действия два: дом молодой пары, кафе, и затем снова тот же дом. К паре оба раза приходят гости, в кафе один за другим появляются посетители. А еще в доме играют в загадочную игру. На протяжении всей истории — постоянные перемены в физическом действии. Опять же, это не хорошо и не плохо, это данность материала. И разговоры в пьесах очень разные. Не по тематике, а по степени отвлеченности. В «Дверях» — о жизни вообще, о смысле жизни, так сказать философские. В «Дожде» — разговоры тоже не бытовые, с явным символическим подтекстом, но — в образах физической, реальной жизни. Насыщенность или бедность пьесы физическим действием (проще говоря, тем, что мы обычно называем сюжетом), разное соотношение реального и условного как в событийном ряде, так и особенно в разговорах, ставит совершенно разные задачи перед постановщиками и актерами. Это важная тема, она заслуживает отдельного подробного разговора. Здесь же скажу только, что чем меньше в пьесе физического действия, а в разговорах — конкретики, тем сложнее спектаклю удержать внимание зрителя и тем опытнее должны быть актеры, прежде всего — в интонационном разнообразии речи персонажей. Первое, на мой взгляд, очевидно, второе назову своим мнением, хотя и тут всё мне кажется достаточно ясным.

«Номер 5″ по мотивам пьесы Н.Нежданой «Той, що відчиняє двері»
Анатомическая драма
Днепропетровский театр драмы и комедии
Режиссура — Артур Опрятный

Если постановщик обратил внимание на вышеназванную особенность пьесы, то, видимо, посчитал ее несущественной. Во всяком случае, я не заметила попытки режиссера разнообразить сценическое действие. А еще мне показалось, что он уделил недостаточно внимания работе с актрисами над текстом. На пути к сцене пьеса претерпела серьезные жанровые перемены. Драматург обозначила ее жанр как «Чорна комедія для театру національної трагедії». Жанр своей постановки режиссер определил гораздо скромнее: «Анатомическая драма». То есть сильно снижен градус, масштаб разговора. Ну, если убираем масштаб (и тут я, кстати, согласна с режиссером, а не с драматургом: в материале масштаб не слишком ощущается), то тем более надо добавить разнообразия в происходящее на сцене, чтобы сюжет совсем не обмельчал.

И о финале. В этой истории особенно интересна фигура девушки, которую доставили в морг как труп. Судя по материалу пьесы, с санитаркой всё ясно: она — реальный человек. А кто — девушка, из какого она мира: этого, реального, или потустороннего? В финале спектакля женщины расходятся в разные стороны: санитарка — в белую дверь, девушка -в темную. Выходит, она из иного мира, посланная женщине, чтобы пробудить в ее душе высокое, человеческое. Но тогда намеки на это должны быть даны зрителю и в ходе спектакля, однако оба персонажа до самого конца по внутреннему состоянию совершенно «здешние», отчего финал выглядит не очень логично. Кстати, девушка может быть не только из здешнего или иного мира. Есть и третий вариант, на мой взгляд, самый интересный и дающий больше всего возможностей постановщику: она может быть фантазией санитарки. И это уже совсем другие акценты и другая роль…

Небольшое лирическое отступление. Спектакль днепропетровчан проходил в расположенном на первом этаже театральном салоне Николаевской русской драмы. На моей памяти в таком качестве это помещение использовалось впервые. В замечательном здании театра салон — место особое. Это своеобразный перекресток всех дорог в театре. Через три его двери лежат пути в главный зрительный зал, на малую и камерную сцены, в летний дворик, который, кстати, давно и разнообразно используется театром и как сценическая, и как концертная площадка, для выступления и своих актеров, и приглашенных николаевских коллективов, не только театральных. Этот же салон — постоянно действующий выставочный зал, где сменяют друг друга выставки произведений разных видов искусства, чаще всего — картин, фотографий. Кстати, и в дни фестиваля стены салона не пустовали: буквально накануне начала «Homo Ludens» здесь открылась выставка резьбы по дереву выпускников Николаевского художественного колледжа. И вот за какие-то полчаса организаторы подготовили помещение для спектакля. Зрителей рассадили по кругу, а в центре, с выходом к двум дверям, расположенным почти напротив друг друга, возникла импровизированная сцена. Сценические площадки буквально заполонили театр, и это свидетельствует об интенсивной и разнообразной творческой жизни коллектива. Но вернемся к фестивальной программе.

Н.Неждана «Коли повертається дощ»
Опасная игра
Николаевский русский драматический театр
Режиссура — Екатерина Богданова
Сценография — Наталия Бурдова

В спектакле разнообразно представлен условный, символический пласт, от первой, чисто пластической сцены, до костюмов, сценографии и мизансцен (например, выразительная сцена обмена столами, катящимися от одного игрока к другому). Но, как мы помним, в пьесе условное облечено в реалистичные образы и ситуации. Поэтому в спектакле может возникнуть — и возникает — диалог условного и реального, придающий объем происходящему и помогающий удерживать внимание зрителя. Это дает широкие возможности актерам, но и требует от них умения балансировать на грани условности и реальности, прежде всего — в речевом плане. Когда говорят обычными словами об обычных повседневных ситуациях: в дом вот-вот придут гости, приезжая открыла кафе в бывшей забегаловке, молодой человек не хочет жениться, но хочет иметь ребенка, — и за этими бытовыми словами и ситуациями должно ощущаться что-то другое, невысказанное и неличное, — общее… Это очень непростая задача, и на фестивальном показе молодые актеры не всегда с нею справлялись. Но спектакль интересный, его хорошо принимает зритель, в репертуаре он не на задворках, так что у исполнителей есть прекрасная возможность расширить свою актерскую палитру.

О режиссерском подходе к материалу. Тут надо начать с пьесы. Мне приходилось читать, что «Коли повертається дощ» — о неприятии обществом «другого», «чужого». Вовсе нет. Персонажи играют в некую таинственную игру, цель которой, как выясняется впоследствии, — вынудить приезжую покинуть их город, чтобы всё в нем осталось по-прежнему. Это действительно тема отторжения «иного». Но есть и другая тема, которая волей автора вынесена в заглавие: дождь и засуха, — и уже по одному этому она претендует на статус главной темы пьесы. К тому же подводит и сюжет. Смысл метафор дождя и засухи ясен: дождь олицетворяет движение, засуха — неподвижность (по формуле классика, «А то здесь ничего не происходит»). И этот мотив настойчиво повторяется на всем протяжении пьесы. Очевидна и связь мотивов дождя-засухи и избавления от чужого: персонажи хотят изгнать то, что несет перемены. То есть нежелание перемен есть причина, а отторжение иного — следствие.

В пьесе: чтобы пошел дождь, нужно отдать ему свою душу, — откровенная метафора смерти. И в финале в городе, где ничего не происходит, где люди не рождаются, не умирают, не женятся, молодая женщина, приняв яд, ценой своей жизни разрывает круг застылости. Она гибнет = в ее жизни, в жизни города наконец совершается перемена, и — начинается дождь. В интерпретации режиссера Е.Богдановой живительные струи дождя оживляют не только жизнь в городе, как по пьесе (приезжая и директор музея решают пожениться), но и ту, кто отдала дождю свою душу, свою энергию жизни. Это не по пьесе, но это очень по-человечески да и не противоречит логике драматургического материала. Ведь из пьесы ясно, что причина засухи, застылости — в душах человеческих, а не во внешних обстоятельствах: как только человек находит в себе силы на перемены, они происходят. Но мотив перемен воплощен в образе природного явления, дождя, и если героиня умирает, волей-неволей возникает мотив противостояния человека и природы. Такое толкование истории возможно, однако когда природа возвращает человеку отданные ей силы, это гораздо более привлекательная и, как мне представляется, более близкая жизни трактовка.

М.Кропивницкий «Кохання панночки»
Рок-опера
Кировоградский украинский муздрамтеатр им. М.Кропивницкого
Режиссура — Евгений Курман
Сценография — Ирина Горшкова
Дирижер Наталия Лановая
Композитор Денис Федоренко

Даже и без дополнительной информации можно было понять, что «Кохання панночки» — спектакль знаковый .для кировоградского театра. Какой еще может быть постановка пьесы драматурга, чье имя носит театр, в жанре, соответствующем статусу театра как музыкально-драматического.

Термин «рок-опера» не имеет устойчивого определения и более-менее общепризнанных различий с мюзиклом. Но обсуждение терминологических нюансов оставим для отдельного разговора. Наиболее ясное и конкретное определение рок-оперы дает энциклопедия литературоведческих терминов: «Музыкально-драматическое произведение, основой которого является рок-музыка». Оно вполне подходит к спетаклю кировоградцев, который имеет обе подробно разработанные линии: и драматическую, и музыкальную (Денис Федоренко удачно соединил обработки украинских народных песен с собственными рок-композициями).

Сюжет у Кропивницкого повторяет гоголевский (неслучайно оригинальное название пьесы — «Вий»). Но название спектакля «Кохання панночки» вовсе не прихоть театра. Повесть и пьеса заканчиваются по-разному. У Гоголя богослов Халява и философ Тиберий Горобец поминают Хому, помершего оттого, что испугался. А у Кропивницкого за смертью Хомы и окончанием основного действия следует эпилог:

«Апофеоз

Між колоннами завіса підіймається, там видко панну, котра сидить на вогняннім кріслі, перед нею навколішках стоїть Хома, панна йому передає атрибут власті.

Хор духів

Тепер нам радість жаданна з’явилась,
Що наша цариця розвеселилась.
Коханець з’явився перед її очі
І світом засяяв у царстві ночі.
Тьмо, возлікуй, от сна пробудись,
Радісний гімн у підзем’ї несись».

Вслед за автором пьесы театр заканчивает свою интерпретацию гоголевского сюжета впечатляющим хором, одой любви «Щасливими бути велить влада любові». И как толковать такой финал и всю историю в целом, ведь как ни крути, Хома гибнет из-за панночки… Я думаю, именно поэтому режиссер вводит в спектакль персонажа, которого нет ни у Гоголя, ни у Кропивницкого: в кировоградской постановке главная героиня появляется в двух испостасях: панночка, дочь сотника, и панночка-сущность. Простыми словами, она не только ведьма, она женщина, и в ее душе живет то, что присуще каждой женщине, — желание любви, счастья…

В украинских театрах «Вий» Гоголя ставят в основном в интерпретации Н.Садур, по ее пьесе «Панночка». В этих спектаклх малолюдно: у Садур всего шесть персонажей. У Кропивницкого в пьесе более двадцати персонажей названы поименно, плюс непоименованные «панны, бурсаки, перекупки, козаки, дивчата и народ». Вот такой многонаселенный спектакль мы и увидели на фестивальных подмостках. В нем массовые сцены, создающие плотную, многоцветную ткань постановки, так же важны и значимы для этого сюжета, как история бурсака и дочери сотника. И режиссер сделал акцент не на перипетиях их любви, а на том бурлящем потоке жизни, в котором родилась эта история. Поэтому в спектакле есть всё и всего много: драматические, танцевальные, песенные сцены, выразительная, динамичная сценография, богатые и очень красивые костюмы. Неудивительно, что они вошли в экспозицию выставки костюмов из десяти спектаклей, которую в театре показывали во время кировоградского фестиваля «Вересневі самоцвіти». Еще в спектакле живая музыка и оркестр на сцене. После спектакля кировоградцы рассказали мне, что у себя в театре в этой постановке оркестр, как обычно, находится в оркестровой яме, но из-за отсутствия ямы в Николаевской русской драме музыканты разместились на сцене. И это был один из тех случаев, когда перемена оказалась весьма уместной. Оркестранты сидели сбоку, их строгие концертные костюмы контрастировали с буйноцветьем сценического действа. С одной стороны, этот классический образ оркестра напоминал о том, что играют классику, а с другой, подчеркивал театральность сценического действа.

Спектакль «Кохання панночки» получился праздничным, как всякий праздник, динамичным и с сюрпризами, одним из которых было раздвоение главной героини, другим — песенный дуэт парубка и дивчины, которую лихо изображал другой парубок. И, конечно, сюрпризом стал финал, когда пара влюбленных героев соединяется и продолжает жить в ином мире. Потому и завершается эта история гимном любви.

И.Франко «Украдене щастя»
Драма
Полтавский украинский муздрамтеатр им. Н.Гоголя
Режиссура — Владислав Шевченко
Сценография — Ирина Клименченко

В спектакле полтавчан много родственного с «Коханням панночки». Полтавское «Украдене щастя» — многонаселенный, многоцветный спектакль, с богатыми костюмами, музыкой, плясками. И в нем трагическая история любви погружена в бурлящий поток жизни. Об этом спектакле, так же как и о ровенском «Гамлете», я напишу отдельно. И по той же причине: он воплотил на сцене одну важнейшую черту современной реальной жизни, влияющей и на каждого из нас, и на течение нашей жизни в целом.

В статье я попробую показать, как спектакль полтавчан высветил классический сюжет, как выглядит трагедия Михайла, Мыколы и Анны в зеркале нашей сегодняшней жизни, и как выглядит наша жизнь в зеркале полтавского «Украденого щастя». Здесь же лишь назову главную тему спектакля: жизнь на юру. И порадуюсь прозорливости театра, создавшего не только интересную, но и остроактуальную интерпретацию классического сюжета.

Полтавчане завершили театральную программу николаевского фестиваля. Но закончить обзор спектаклей двенадцатого «Homo Ludens». Я хочу упоминанием квартирника с участием замечательной актрисы Галины Яблонской, которой тактично и точно ассистировал ведущий квартирника Василий Неволов. Актерское мастерство, ощущение жанра и времени, одухотворенность, юмор, самоирония, художественный вкус и такт, — всё было в монологах Галины Гиляровны.

Во всех областях человеческой жизни есть классика, золотой фонд человеческого опыта и достижений. Яблонская — это, конечно, актерская классика. Есть расхожее выражение «классика всегда современна». Если не избитой формулой, а простыми словами, классика — это всегда «как сегодня». Меня поразил отрывок из давнего украинского фильма, в котором играла юная Яблонская. Она играла так же, как сыграла бы сейчас. О такой игре говорят «играет как дышит». Это ведь и есть вернейший признак классики — неподвластность времени.

(Приношу извинения за плохое техническое  качество многих снимков. Помещаю их здесь лишь потому, что приблизительное представление о том, как выглядит спектакль, лучше, чем ничего).

(Далі буде)

«Палата №5″

«Коли повертається дощ»

«Кохання панночки»

Галина Яблонская